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Produce Más con Menos

Uno de los mayores retos que enfrentamos los Cineastas al momento de hacer nuestras películas, esta directamente relacionado al aspecto económico. ¿De donde saco el dinero para hacer mi película? ¿A quién tengo que asaltar?

Escuchamos a tantas personas decir – Tienes que asegurarte de que tu película tenga Valores de Producción.

Pero entonces, ¿cómo se supone que presupueste una toma aérea del templo La Sagrada Familia en Barcelona, si apenas mi dinero no alcanza para pagar el almuerzo?

Créeme, conozco muy bien ese sentimiento. A pesar de esto, no te recomiendo que detengas tu proyecto por el simple hecho de no tener el dinero para filmarlo.

Al menos ese a sido mi caso. Si quiero filmar algo, lo filmo. Aunque no tenga el dinero.

De igual forma, te comparto algunas sugerencias que puedes poner en práctica para hacer más con menos.

 

1) Consigue Comida Gratis

El Crew de trabajo podría estar todo el día debajo del sol candente trabajando, quizás podrían donar de su tiempo para trabajar en tu proyecto y quizás podrían aguantar un ambiente cargado en el set, pero créeme que sin comida no trabajan.

Si quieres mantener al Crew y al Talento contento y productivo, tienes que tenerles buena comida. Cuando hay poco presupuesto, muchos Productores Independientes recurren al alimento más económico – la Pizza. Soy culpable también.

A pesar de que la Pizza cómo alimento resulta ser más económico, no puedes pretender ofrecer la misma comida todos los días. Debes de variar el menú e intentar ofrecerle buenos alimentos a las personas en el set.

Cuando ofreces una comida de calidad en el set, tanto el Crew de filmación y el Talento, se sienten apreciados y usualmente trabajan mejor.

Una estrategia que puedes intentar es ir a un Restaurante, Pizzería y/o Panadería de tu pueblo y preguntar por el Gerente. Te introduces y le dejas saber que te interesa que su negocio sea Auspiciador de tu película, en intercambio, por 5, 10 o 20 almuerzos, dependiendo la cantidad de gente que tengas en el set.

Le ofreces poner el nombre de él y el de su negocio, en los Créditos oficiales de la Película.

Es una buena práctica visitar varios lugares de comida, para que te asegures de tener los suficientes suministros de desayuno y almuerzo para todo el Crew y Talento.

No olvides también tener mucha agua en el set – es vital.

 

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2) Utiliza Localidades Gratis

Si no tienes suficientes presupuesto para filmar, no pagues por utilizar localidades. Consíguelas de gratis.

La estrategia es similar a la que te mencioné en el punto número 1. Identifica si tienes algún amigo que tenga algún local de su propiedad o visita el lugar donde tienes intencionado filmar y pregunta por el encargado de la Propiedad.

Identifícate y déjale saber sobre tu intención de filmar en ese local. Ofrécele que tanto el nombre de él y el del local, estarán en los créditos oficiales de la película.

Ten en mente, que algunas localidades Municipales y/o Privadas te requieren algún tipo de seguro de filmación para poder utilizar las facilidades.

También asegúrate de dejar las facilidades en mejor estado de como la encontraste. Un error craso que hacen muchas filmaciones luego de filmar, es dejar la localidad hecho un desastre.

Ten mucho cuidado manejando equipo como c-stands, lámparas, gripería y demás… No vas a querer pagar por una puerta de cristal que accidentalmente se rompió.

 

3) ¿Cómo Puedo Filmar Mi Película En Menos Días?

Mientras más días de filmación te tome capturar tu película, más costosa te va a salir la película. Definitivamente.

La pregunta sería – ¿Que puedo hacer para ser más productivo en el set y hacer mi película en menos días.

¿Puedo filmar algunas escenas en el exterior y me ahorro la necesidad de tener que iluminar y utilizar lámparas?

¿Puedo filmar estas tomas en la misma localidad?

¿Dedico varios días de ensayo con mis actores, para entonces asegurarme en el set de tener la escena en menos de tres tomas (takes).?

 

4) ¿Conoces a Alguien Que Tenga Equipo de Filmación?

Creo el título se entiende por si solo, pero la idea es persuadir a la gente que conoces que tenga equipo de filmación: lámparas, lentes, cámaras, micrófonos, c-stands, gripería, etc… y convérseles de que formen parte de tu Proyecto.

Dale un buen trato, ofrécele que a pesar de no existir mucho presupuesto, tienes contemplado cubrir con las necesidades de alimentación de todos ellos.

Recuerda que si tienes personas que van a donar de su tiempo, ten al menos buena comida en el set. Siempre puedes hacer referencia al Punto número 1. Como dice el refrán: “Barriga llena, filmo contento”.

 

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5) Busca a Un Amigo Editor

¿Conoces de algún amigo o conocido que tenga un Sistema de Edición? Haz el acercamiento y persuádelo para que te ayude con el montaje de tu película.

Una vez acepte, gratifícalo de alguna forma. Cuando vayas a su cuarto de edición a supervisar alguna escena, llévale una soda y algo de comer.

En ocasiones el editor esta sentado montando escenas por largas horas y muchas veces se les pasa la hora de la comida. A parte de que el proceso de Post-Producción por alguna razón provoca hambre :-)

Este pequeño detalle lo hace sentir apreciado y hace una gran diferencia en el Producto Final.

Gracias por leer el artículo de esta semana. ¿Conoces de alguna otra sugerencia para reducir los costos de una Película? Me gustaría conocer tu opinión, escribiendo en la parte de comentarios.

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En un articulo publicado en el portal Film Independent, una reconocida Supervisora de Post-Producción comparte unos tips esenciales.

Este artículo fue originalmente publicado el portal Film Independent. Oprime Aquí para leer el artículo original.

 

“La Películas Se Hacen En La Post-Producción”

A pesar de que a algunos cineastas y productores no les guste lo que se presentará a continuación, Nancy Kirhoffer, una reconocida supervisora de Post-Producción que sus créditos incluyen: Memento, 50/50 y Bernie hace una declaración muy firme: “Las películas son tres cosas: imagen, sonido y música; y dos de estas ocurren en Post-Producción.”

 

Kirhoffer recientemente habló a los miembros de la comunidad de Cine Independiente (Film Independent) sobre las responsabilidades de su posición. “Yo básicamente relevo al Productor. Mi trabajo es lograr que la película llegue a la Post-Producción. Superviso la edición, el sonido, la música y me aseguro de que todo se haya entregado .”

Kirhoffer recomienda buscar un supervisor de post-producción tan temprano como en la etapa de Pre-Producción. Después de todo, son ellos los responsables de ayudar a que la película llegue a la meta final.

 

“He trabajado con tantas personas que sus primeras películas nunca se finalizan. Si los cineastas traen a un Supervisor de Post-Producción en una etapa temprana del proyecto, estos podrán saber qué esperar cuando lleguen al montaje, cuán lejos debe de tomar finalizar la película y cuanto esperan gastar para cubrir todos esos costos.”

 

Flickr: Vancouver Film School
Flickr: Vancouver Film School

“La verdad es que el proceso es el mismo, no importa si tu presupuesto es de $100 millones o $100,000”, dice Kirhoffer.

 

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Considera este dato. Si alguien va a pagar $15 para ver tu película en el teatro, a ellos no les importa el hecho de que tenias solamente $ 100,000 para hacer tu película. Sólo quieren asegurarse de que vale la pena los $15 que pagaron, y existe una expectativa de que la película tiene que sonar (y lucir) de una cierta manera y usted no puede cambiar ese hecho. Tiene que sonar bien.

Lograr un buen sonido no es barato. No existe un lugar en el Mundo donde el trabajo de sonido cueste $ 20,000. Usted va a tener que pagar por lo menos $65.000.”

Por esto es fundamental para los cineastas indie encontrar un Supervisor de Post-Producción. Según Kirhoffer, los cineastas necesitan saber cuanto les saldrá costear los costos que tendrán durante este proceso, antes de salir a distribuir la película.

En ocasiones, los retrasos ocurren cuando los cineastas no calculan bien los costos de Post-Producción. “Me ofrecieron trabajar en una película súper interesante,” dice Kirhoffer.

“Era una película con un presupuesto de $35 millones originalmente, pero que al final del día solo se logró conseguir unos $5 millones y me pareció una buena idea, hasta que vi cómo estaba desglosado el presupuesto.

No había dinero para la post-producción. $4.5 millones iban a la Producción, así que le dije que no podía hacer la película.”

 

Flickr: Vancouver Film School
Flickr: Vancouver Film School

 

Un segundo error común es cuando un Director espera demasiado tiempo para obtener una realimentación [feedback] del montaje. “Transcurren ocho meses y recibo la llamada. Están utilizando un tercer editor y nadie ha visto la película”, dice Kirhoffer. “Tu no puedes estar editando una película por ocho meses. Tienes que detenerte, mostrarla y obtener una opinión”.

La DGA (Directors Guild of America) le otorga a los Directores 10 semanas para el montaje de su película. Kirhoffer exhorta a los cineastas, inclusive a los no-unionados y cineastas indie, a realizar una prueba de muestreo o screening luego del proceso de post-producción.

“Luego de 10 semanas tu vas a querer mostrar esa película”. Ella explica que Seth Rogen y Evan Goldberg les encanta realizar screenings para sus proyectos.

Kirhoffer dice que a pesar de que los cambios en la tecnología digital han impactado grandemente la Post-Producción, el proceso se mantiene casi el mismo.

 

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Flickr: Vancouver Film School
Flickr: Vancouver Film School

 

“En los viejos tiempos, cuando trabajábamos una película, teníamos a un editor, un asistente de editor, un aprendiz, un coordinador, un Asistente de Producción (PA) y entonces yo. En estos últimos tiempos, tu tienes un editor y un asistente, luego me tienes a mi y quizás, a un PA. A pesar de que sean películas con $200 millones de presupuesto”.

 

Es por eso que Kirhoffer exhorta: “No le pesetees a tu editor.” Lo mismo aplicaría para su asistente. “Tu necesitas un asistente de edición. Un editor no tiene tiempo para hacer el trabajo del asistente.” De acuerdo con Kirhoffer, todas las producciones, inclusive las producciones no-unionadas, no deben ignorar el hecho de contratar a un asistente de editor.

 

Kirhoffer trabaja en múltiples proyectos a la vez y actualmente se encuentra trabajando ocho proyectos. Su trabajo es llegar, dejar las cosas listas y marcharse. Yo no sirvo el café. Me hace feliz enseñar sobre Post-Producción. Creo que es súper divertido. A ella le gusta correr el camino que llevará la película a la pantalla grande y la que urge al Director a tomar el proceso con la misma seriedad que ella.

Vía: Film Independent 

¿Cuántas veces haz visto un proyecto con un gran potencial, pero se cae por tener un pésimo sonido? La película puede tener una fotografía exquisita, actores de renombre, una hermosa historia, pero si tiene un audio horrible, esta destinada a fracasar y no logra el objetivo.

Algunos cineastas independientes ignoran este dato – ya sea por desconocimiento, por la prisa de filmar en una localidad o simplemente por un descuido técnico, pero para capturar el mejor sonido posible para un proyecto de cine debemos de tener en consideración los siguientes factores:

  • Un buen posicionamiento del Micrófono
  • Localidad – estar atentos al entorno
  • Calidad y Características del Micrófono

 

En este post solo me concentraré en las consideraciones que debemos de tener en la localidad que estemos filmando. Los temas, Posicionamiento del Micrófono y las Características del Micrófono, lo discutiré en un futuro artículo.

Los niveles de ruido en una localidad pueden mejorar o destruir el audio de tu película. Así que existen ciertos parámetros a escuchar y considerar cuando te encuentras filmando en una localidad.

 

 

Escucha El Tráfico Vehicular

No importa si estas filmando en Interior o Exterior, el tráfico puede ser un verdadero dolor de cabeza. ¿Por qué?

Por ejemplo, si la escena que estas filmando se observa el tráfico, pues entonces hace sentido que se escuche el sonido de los carros.

El problema existe cuando no estas viendo el tráfico en la toma y se captura el sonido del tráfico.

Por esta razón es que el Departamento de Localidades establece un Control Intermitente del Tráfico (ITC). ITC tiene las siglas en inglés, Intermittent Traffic Control.

Un ITC es cuando utilizas oficiales de policía contratados por la Producción (usualmente se coordina con la Comisión de Cine Local) para bloquear el tránsito cuando se esta filmando. En una situación ideal, ellos permitirían el flujo de vehículos entre tomas. Muchas veces esto no es posible, pero no se pierde nada con intentarlo.

 

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Pon Tu Oído En El Set

El segundo paso sería ir al set y escuchar tu entorno. ¿Qué escuchas? ¿Hay algún refrigerador encendido? ¿Algún abanico encendido? ¿Algún aire acondicionado encendido? ¿Algún vecino cortando la grama en ese preciso momento? ¿Generador de energía muy cerca del set?

Una vez identifiques cuál o cuáles son los ruidos que afectan la filmación, tienes entonces que eliminarlos. Recuerda, si lo puedes escuchar con tus oídos; apágalo.

Si no puedes eliminarlo del todo, trata entonces de moverlo o cubrirlo con algo.

Una vez comiences a filmar, mantén tus oídos atentos todo el tiempo. ¿Escuchas algún perro ladrando constantemente? ¿La alarma de algún vehículo comenzó a sonar? ¿Un avión sobrevolando?

En la Industria existe una práctica común de esperar por un avión a que pase, así que no tengas miedo de decir: “Vamos a esperar por el avión”.

 La meta es obtener el mejor audio posible. Mientras más limpio el audio, mejor.

 Una parte súper importante que debemos de entender es como las tomas van a ser editadas (entrelazadas) entre sí.

 

Piensa En La Post-Producción

Vamos a decir que queremos cortar de un Primer Plano (Close-Up) de Carlos, donde se escucha un perro ladrando, a un Plano Medio (Medium-Close Up) de Karina donde no se escucha el ladrido del perro. Aquí tendríamos un problema en Post-Producción.

CU-Carlos-Karina

En este caso, debemos de capturar el sonido (más limpio posible) del perro ladrando para insertarlo luego en las tomas de Karina.

Pero este panorama pudiera complicarse. Digamos que el editor quiere hacer un corte exactamente en uno de los ladridos del perro. Ahora no solamente van a tener que añadir el ladrido en la toma, sino que también van a tener que hacer que ese sonido del ladrido suene continuo y orgánico. Por eso es que este concepto de Producción de Audio es tan importante.

La audiencia debe de percibir esta escena de forma orgánica y uniforme. No debe de sentirse alterada, ni tampoco truncada. La audiencia no debe percibir el cambio en el sonido del audio.

 

Un Punto A Considerar

Cuando comencé a tomar en serio el tema del audio, monitoreaba mis niveles para mantenerlos consistentes entre toma y toma.

Muchos talentos tienen un volumen de voz más alto y otros más bajo.

A pesar de esto, siempre trataba de mantener los niveles de audio en el lugar correcto.

Lo que noté fue que el aumento que hacia para el actor que hablaba más bajito, al momento de hacer el corte en post-producción, no correspondía bien con la disminución en los niveles del actor que hablaba más alto – y me provocaba un brinco en el ruido de ambiente entre una toma y la otra. De ruidoso a silencioso.

Arreglar esto en Post-Producción es un dolor de cabeza real. Una solución a este problema sería, con la autorización del Director, decirle al talento que tiene el volumen de voz más bajo que levante su voz y así no tengas que estar subiendo y bajando los niveles en la grabadora de audio para compensar.

 

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Atento Al Sonido Que Causamos Nosotros Mismos

Aparte de todas las consideraciones que les mencioné anteriormente, también tenemos que estar pendientes al sonido que provoca el equipo de filmación.

Por ejemplo, el generador de energía se encuentra muy cerca, los rieles del Dolly provocan un chillido, miembros del crew murmuran bajito pensando que no se escuchan, se escuchan los pasos del Primer Asistente de Cámara mientras hace el enfoque, etc…

Un ruido que también debemos de tener en consideración es el sonido que provoca la ropa cuando roza con el micrófono (esto cuando se esta utilizando un micrófono de solapa). Así que coloca el micrófono de tal forma que no roce con la ropa para evitar este ruido indeseado.

 

¿Qué Otras Consideraciones Tienes Respeto A La Captura Del Audio?

¿Tienes alguna anécdota ocurridas en el set que nos quieras contar?

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A pesar de que en el montaje o edición de películas no existen reglas, si contamos con ciertas guías que nos ayudan en el proceso de montar nuestra película.

Vamos a partir de la premisa que estas listo para comenzar la edición de tu secuencia y te gustaría insertar una toma Master Shot.

Vas a los dailies y notas que tienes para escoger 3 tomas Master Shot para iniciar tu secuencia. ¿Cuál de estas 3 tomas escojo?

Lo que voy a compartir contigo es un listado que te ayudará no solamente a escoger una toma para colocarla en una secuencia, sino que si logras entender estos principios, podrías aplicarlos a todas las ramas de la cinematografía y garantizar aún más la calidad y el éxito de tus proyectos.

La idea con estos 4 principios es tener en consideración una lista de Prioridades a la hora de seleccionar una toma o hacer un corte.

En un mundo ideal quisiéramos tener todos y cada uno de estos principios en nuestra secuencia y película.

La verdad es que no todo sale bien a la hora de filmar y vamos a tener que sacrificar ciertas cosas.

En orden de prioridad, vas a escoger la toma que tenga una mayor: 

 

1) Emoción y/o Calidad Dramática

Esta a una consideración que se subestima muchísimo en las escuelas de cine, ya que muchas de estas instituciones se enfocan en puramente enseñar las áreas técnicas de este arte y rara vez, enfatizan en la emoción de una historia o un personaje para impactar a la audiencia.

Te preguntarás, ¿porque?. La razón es que ciertamente es muy dificil definirla y mucho más compleja entenderla. Aunque debo decirte, que una vez logras entenderla y aplicarla correctamente, verás una mejoría en la calidad dramática de tu película.

Para comenzar a entender este concepto llamado Emoción, debes de hacerte la siguiente pregunta: ¿Cómo quisieras que la audiencia se sienta al ver esta escena o al ver tu película?. Si logras que tu audiencia sienta lo que tu quieres que ellos sientan  a través de toda la película, créeme que habrías logrado más de lo que podrías imaginar.

Esta es la tarea más difícil de hacer una buena película. Lo que finalmente la audiencia va a recordar no es la edición, no son los actuaciones, ni tan si quiera es la historia – es el como se sintieron al ver tu película.

Si te pones a pensar en esto, te darás cuenta que la razón por la que puedes ver Forrest Gump (utilizo este ejemplo porque es una de mis películas favoritas) 10 veces corridas y sin cansarte, es por el impacto emocional que provoca en tu persona. En otras palabras, por la manera que te hizo sentir.

El gran editor de película, Walter Murch, en su libro In the Blink of an Eye dice que la Emoción esta por encima de cualquier otra categoría que pudieras imaginar a la hora de hacer y montar tu película.

Inclusive en términos de porcentaje, de una escala del cero al cien, Walter categoriza la emoción y le da un valor de 51%.

La emoción es lo que debes de mantener a toda costas y tiene prioridad sobre las siguientes consideraciones.

 

2) Historia

Esta categoría tiene el 2ndo orden de prioridad en esta lista de prioridades e indagamos en el elemento Historia.

¿Existe algo o ocurre algo en la escena que me ayuda a mover la historia hacia delante? ¿Existe alguna acción que mejor narre la Historia? ¿Es tiempo de mostrar y decirle algo nuevo a la audiencia?.

Walter Murch, en su libro In The Blink of an Eye, le asigna un valor de 23% de importancia.

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3) Ritmo

Todo el mundo habla sobre el Ritmo en una película, pero que realmente es ¿El Ritmo?

Michael Kahn, A.C.E, editor de las películas The Color Purple, Schindler’s List, Saving Private Ryan, define el ritmo de la siguiente manera:

Existen cosas que los Editores inyectan en una película: estructura, armonía, simetría, los pequeños espacios entre los cortes. Todo esto es Ritmo.

El Instituto Nacional de Tecnologías Educativas y Formación del Profesorado en España describen el ritmo de la siguiente manera:

El ritmo de una película depende del tiempo que se crea en ella, y de cómo el montaje dispone la duración de los planos y relaciona los hechos que se narran.

Cita: http://www.ite.educacion.es/formacion/materiales/24/cd/m4_2/ritmo_y_montaje.html

 

Por ejemplo, sabemos que existe un ritmo visual, por la imagen; tenemos un ritmo auditivo, por el sonido; y tenemos un ritmo narrativo por la acción.

Pero realmente el ritmo es la relación entre la duración de las tomas y el número de tomas en una secuencia. Por ejemplo, tengo en mi secuencia, tomas de corta duración pero muchas tomas; o por el contrario tengo tomas de larga duración y poca cantidad de ellas.

Así que ya teniendo una idea de lo que significa el Ritmo en una edición, lo que buscamos en esta categoría es:

La acción que esta ocurriendo, ¿ocurre en el momento que rítmicamente es interesante y correcto?.

 

4) Calidad Técnica

La calidad técnica de un proyecto cinematográfico es sumamente importante y no debe de ser puesta en riesgo bajo ningún concepto.

Ahora, la realidad es que nada es perfecto, por más Pre-Producción que se haga y por más precauciones que se tomen en el set a la hora de filmar, no siempre todo sale bien.

Es por esto que separamos La Calidad Técnica en dos categorías:

  • Más Crítico: cámara, iluminación, composición, continuidad.
  • Menos Crítico: peinado, make-up, vestimenta (“wardrobe”)

 

Al momento de decidir que toma utilizar, debes de tomar en consideración primero los elementos técnicos más críticos y luego los elementos menos críticos.  

Por ejemplo, tener una toma fuera de enfoque es mucho más crítico que tener una discontinuidad en el peinado de un personaje.

 

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¿Cómo Entonces Aplico Estos Principios?

Lo ideal es que una toma o un corte tenga todos estos elementos, pero no siempre es así.

Si tuvieras que sacrificar algunos de estos cuatro elementos para hacer un corte, tendrás que sacrificar comenzando desde el último (Calidad Técnica) e ir subiendo desde allí al tercero (Ritmo) y así sucesivamente. No funciona a la inversa.

Ten mente que mantener la Emoción en una toma y a través de toda la película, es vital y en muchas circunstancias tiene mayor peso que las restantes tres categorías juntas.

De hecho, existe un dato curioso. Vamos a decir que lograste tener una toma con la emoción correcta y que la historia avanza de forma única e interesante y que tienes el ritmo correcto, notarás que la audiencia estará desapercibida por cualquier error técnico, de continuidad y hasta de edición.

El principio es este, si logras satisfacer las primeras 3 categorías (Emoción, Historia y Ritmo) puedes lograr oscurecer y omitir muchos de los otros elementos (errores técnicos) que ocurren en la toma o en la secuencia.

 

¿Tienes alguna otra consideración, a parte de estas, a la hora de escoger una toma o hacer un corte?

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Todos los que trabajamos en el Cine sabemos que el Editor es quien finalmente re-escribe el Guión. No importa que tipo de película o video estés cortando, narrar la historia es tu propósito principal.

Un buen montaje puede salvar (o aliviar) una mala actuación, puede añadir emoción en una escena o a un personaje y puede mejorar el ritmo de una historia, entre otras cosas.

Al mismo tiempo, un montaje pésimo puede lograr exactamente lo opuesto, convertir una buena historia, en un total fracaso de película. No queremos esto.

 

“La edición NO es un proceso técnico. Es un proceso artístico. Se trata de narrar una historia”, – dice Jack Tucker, A.C.E., Shogun y Winds of War.

¿Entonces que consideraciones debo de tomar antes de comenzar?

Digamos que tienes un montón de imágenes frente a tu monitor, listas para ser manipuladas e insertadas en tu película. ¿Pero entonces, donde comienzo?

Antes de iniciar un corte, necesitamos estar conscientes del propósito del proyecto y quien va a ser mi público.

Acaso, ¿es una película para reclutar cadetes del Navy o es un comercial de cereal dirigido a niños? ¿Es un documental sobre el abandono de perros realengos o es una historia sobre la vida de Jim The Wonder Dog?

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1). Observa el Pie taje y Escribe Notas

Tienes que conocer el material para tener una idea de lo que vas a estar montando y cuales son los archivos media que tenemos para narrar la historia.

No tenemos otra alternativa, tenemos que ver el material y escribir notas sobre lo que estamos conociendo.

 

2). Lee el Guión o Sinopsis

Es sumamente importante conocer de que trata la escena que quieres montar. Es una buena costumbre familiarizarse con las escenas que van antes y con las escenas que van después, de esta manera tienes un panorama más amplio de la secuencia de la historia.

3). Identifica, ¿A Dónde Me Lleva Esta Escena?

¿Existe información que se le muestre a la audiencia que de alguna manera mueve la historia hacia delante?. Si la contestación a esta pregunta es un simple “No” o “realmente esta escena no me lleva a ningún lado”, entonces la escena pudiera ser un candidato a ser eliminada.

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4). Averigua, ¿De Quien Es Esta Escena?

¿Es del personaje Principal? ¿Secundario? ¿Es de un Extra? Usualmente la escena pertenece al personaje principal o al personaje con más líneas; pero podría ser del personaje que escucha y reacciona.

 

5). Conoce, ¿El Por qué de la Escena?

Hay algo interesante que ocurre en la escena o que hace el personaje?. Posiblemente este personaje hace algo muy importante, que vale la pena que la audiencia conozca.

A pesar de que estas NO son las únicas consideraciones que debemos de tomar al momento de editar una escena, sí debemos de tomarlas como punto de partida.

Siempre teniendo en mente, que hacemos el corte con el fin de mover la historia hacia delante.

En un próximo blog estaré compartiendo algunas otras herramientas y consideraciones sobre el montaje de escenas cinematográficas.

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La Post-Producción es una de las cinco etapas (pasos) fundamentales para el desarrollo de una obra cinematográfica y sin duda alguna, una de las más importantes.

Por definición la Post-Producción se define como la manipulación del material audiovisual digital o análogo usado para cine, publicidad, televisión, radio y/o web.

¿QUE HACEN LOS EDITORES DE CINE & TELEVISION?

Los editores de Cine y Televisión seleccionan la toma más efectiva de cada escena y la combinan en secuencia para formar una historia lógica y fluida.

 

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RESPONSABILIDADES DEL EDITOR

Entre las múltiples responsabilidades que tienen los editores se encuentran:

  • Evaluar y seleccionar escenas en términos de su valor dramático para tener continuidad en la historia.
  • Cortar segmentos de la película a un largo especifico.
  • Ensamblar segmentos en orden para que la historia tenga un efecto máximo.
  • Usar equipo de edición para insertar música, dialogo y efectos de sonido.
  • Revisa la versión editada de la película en un monitor para hacer correcciones.
  • Colabora con Editores de Efectos de Sonidos  y Editores de Música.
  • Etc… etc… etc…

 

 SISTEMAS ANALOGOS DE EDICIÓN

A pesar de que los sistemas análogos de edición escasean en los confines de nuestro planeta tierra, es importante poder reconocerlos. Para realizar la edición (montaje) en estos sistemas necesitarias la utilización de rollos de cinta de película.

Los dos tipos de maquinas análogas que editan en rollo de película son:

  • Moviola
  • La «Flatbed» o KEM o Steenbeck

 

Moviola antigua exhibida en el Museo Histórico de Mar del Plata
Foto por: Ezarate (Own Work)
Fuente: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:MoviolaAntigua-MDP.JPG

 

¿CÓMO ES EL PROCESO DE MONTAJE EN UN SISTEMA ANALOGO?

El negativo de la película (rollo) va a un laboratorio y este procesa el negativo original de la cámara y produce un positivo (o copia). El positivo se introduce en un magazín para ser sincronizado y con estos se crean carretes (reels) usando un sincronizador.

 

¿CÓMO ENTONCES SE HACE UN CORTE EN UN SISTEMA MOVIOLA?  

1) Marcas el fotograma (frame) donde quieres hacer el corte, utilizando un marcador (China Marker)

2) Lo cortas con una guillotina (splicer).

3) Lo unes con cinta adhesiva (splicing tape) al fotograma anterior a este.

 

 

LOS SISTEMAS DE EDICION DIGITAL

Actualmente existen muchos programas que se especializan en el montaje y edición de vídeos, pero NO todos son recomendables para el desarrollo de proyectos a nivel profesional.

Algunos de los sistemas de edición digital más utilizados por profesionales en la industria de los audio visuales son:

 

  • Final Cut Pro – manufacturado por Apple Computer Inc, entro al mercado en el año 1999. Fue conocido principalmente por sus capacidades para Video Digital (DV)  y para el Web a un precio bien módico. http://www.apple.com/finalcutpro

 

 

 

 

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VENTAJAS DE EDITAR EN UN SISTEMA DIGITAL

Hoy en día, muchas películas y videos se editan en sistemas digitales de edición. Los avances tecnológicos, particularmente en el área de efectos visuales, resolución, y compatibilidades entre softwares y hardwares esta constantemente en desarrollo y mejorando. Gracias a esto, el editor puede hacer mucho más cosas y en menos tiempo.

 

Screen Shot 2013-09-19 at 1.16.58 AM
Imagen de la interface de Final Cut Pro 7
Algunas De Las Ventajas Son:

1) Puedes localizar cuadros (frames) rápidamente y con precisión en un sistema de edición digital.

Velocidad + Flexibilidad = Ahorrar Tiempo

2) Puedes tener muchas versiones o cortes de una escena o de un show con un sistema no-lineal.

Si quisieras experimentar con tu edición, entonces simplemente puedes hacer una copia a la secuencia. De esta manera si tu experimento falla, siempre podrás volver al corte (secuencia) inicial.

3) Mejor manipulación del Sonido. Muchos de los programas de edición contienen múltiples canales de audio que nos ayudan a añadir elementos de audio a nuestros proyectos.

En un sistema Lineal, como lo seria La Moviola, solo podrías manejar tres canales de audio solamente.

4) Integración de Efectos y Títulos a la edición.

La mayoría de los efectos en el sistema lineal son a tiempo real (Real Time) y la integración de títulos de textos en la edición de videos cada día se hace más fácil.

 

DEFINICIONES & TÉRMINOS IMPORTANTES EN EL CUARTO DE EDICIÓN

Material Inédito –  pie taje que llega diariamente al cuarto de edición de parte del equipo de Producción. En los Estados Unidos se le conoce como Dailies. En otros países, como en Australia se le conoce como Rushes.

Toma – cada una de las repeticiones grabadas de una escena. En ingles le dicen Shot.

Corte – una serie de montajes.

Sistema de Edición Digital – una computadora usada para editar ingesta de audio y video proveniente de cintas o archivos.

Media – el material; ya sea audio, video o ambos.

Importar – ingresar o traer archivos media al sistema de edición digital.