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A pesar de que en el montaje o edición de películas no existen reglas, si contamos con ciertas guías que nos ayudan en el proceso de montar nuestra película.

Vamos a partir de la premisa que estas listo para comenzar la edición de tu secuencia y te gustaría insertar una toma Master Shot.

Vas a los dailies y notas que tienes para escoger 3 tomas Master Shot para iniciar tu secuencia. ¿Cuál de estas 3 tomas escojo?

Lo que voy a compartir contigo es un listado que te ayudará no solamente a escoger una toma para colocarla en una secuencia, sino que si logras entender estos principios, podrías aplicarlos a todas las ramas de la cinematografía y garantizar aún más la calidad y el éxito de tus proyectos.

La idea con estos 4 principios es tener en consideración una lista de Prioridades a la hora de seleccionar una toma o hacer un corte.

En un mundo ideal quisiéramos tener todos y cada uno de estos principios en nuestra secuencia y película.

La verdad es que no todo sale bien a la hora de filmar y vamos a tener que sacrificar ciertas cosas.

En orden de prioridad, vas a escoger la toma que tenga una mayor: 

 

1) Emoción y/o Calidad Dramática

Esta a una consideración que se subestima muchísimo en las escuelas de cine, ya que muchas de estas instituciones se enfocan en puramente enseñar las áreas técnicas de este arte y rara vez, enfatizan en la emoción de una historia o un personaje para impactar a la audiencia.

Te preguntarás, ¿porque?. La razón es que ciertamente es muy dificil definirla y mucho más compleja entenderla. Aunque debo decirte, que una vez logras entenderla y aplicarla correctamente, verás una mejoría en la calidad dramática de tu película.

Para comenzar a entender este concepto llamado Emoción, debes de hacerte la siguiente pregunta: ¿Cómo quisieras que la audiencia se sienta al ver esta escena o al ver tu película?. Si logras que tu audiencia sienta lo que tu quieres que ellos sientan  a través de toda la película, créeme que habrías logrado más de lo que podrías imaginar.

Esta es la tarea más difícil de hacer una buena película. Lo que finalmente la audiencia va a recordar no es la edición, no son los actuaciones, ni tan si quiera es la historia – es el como se sintieron al ver tu película.

Si te pones a pensar en esto, te darás cuenta que la razón por la que puedes ver Forrest Gump (utilizo este ejemplo porque es una de mis películas favoritas) 10 veces corridas y sin cansarte, es por el impacto emocional que provoca en tu persona. En otras palabras, por la manera que te hizo sentir.

El gran editor de película, Walter Murch, en su libro In the Blink of an Eye dice que la Emoción esta por encima de cualquier otra categoría que pudieras imaginar a la hora de hacer y montar tu película.

Inclusive en términos de porcentaje, de una escala del cero al cien, Walter categoriza la emoción y le da un valor de 51%.

La emoción es lo que debes de mantener a toda costas y tiene prioridad sobre las siguientes consideraciones.

 

2) Historia

Esta categoría tiene el 2ndo orden de prioridad en esta lista de prioridades e indagamos en el elemento Historia.

¿Existe algo o ocurre algo en la escena que me ayuda a mover la historia hacia delante? ¿Existe alguna acción que mejor narre la Historia? ¿Es tiempo de mostrar y decirle algo nuevo a la audiencia?.

Walter Murch, en su libro In The Blink of an Eye, le asigna un valor de 23% de importancia.

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3) Ritmo

Todo el mundo habla sobre el Ritmo en una película, pero que realmente es ¿El Ritmo?

Michael Kahn, A.C.E, editor de las películas The Color Purple, Schindler’s List, Saving Private Ryan, define el ritmo de la siguiente manera:

Existen cosas que los Editores inyectan en una película: estructura, armonía, simetría, los pequeños espacios entre los cortes. Todo esto es Ritmo.

El Instituto Nacional de Tecnologías Educativas y Formación del Profesorado en España describen el ritmo de la siguiente manera:

El ritmo de una película depende del tiempo que se crea en ella, y de cómo el montaje dispone la duración de los planos y relaciona los hechos que se narran.

Cita: http://www.ite.educacion.es/formacion/materiales/24/cd/m4_2/ritmo_y_montaje.html

 

Por ejemplo, sabemos que existe un ritmo visual, por la imagen; tenemos un ritmo auditivo, por el sonido; y tenemos un ritmo narrativo por la acción.

Pero realmente el ritmo es la relación entre la duración de las tomas y el número de tomas en una secuencia. Por ejemplo, tengo en mi secuencia, tomas de corta duración pero muchas tomas; o por el contrario tengo tomas de larga duración y poca cantidad de ellas.

Así que ya teniendo una idea de lo que significa el Ritmo en una edición, lo que buscamos en esta categoría es:

La acción que esta ocurriendo, ¿ocurre en el momento que rítmicamente es interesante y correcto?.

 

4) Calidad Técnica

La calidad técnica de un proyecto cinematográfico es sumamente importante y no debe de ser puesta en riesgo bajo ningún concepto.

Ahora, la realidad es que nada es perfecto, por más Pre-Producción que se haga y por más precauciones que se tomen en el set a la hora de filmar, no siempre todo sale bien.

Es por esto que separamos La Calidad Técnica en dos categorías:

  • Más Crítico: cámara, iluminación, composición, continuidad.
  • Menos Crítico: peinado, make-up, vestimenta (“wardrobe”)

 

Al momento de decidir que toma utilizar, debes de tomar en consideración primero los elementos técnicos más críticos y luego los elementos menos críticos.  

Por ejemplo, tener una toma fuera de enfoque es mucho más crítico que tener una discontinuidad en el peinado de un personaje.

 

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¿Cómo Entonces Aplico Estos Principios?

Lo ideal es que una toma o un corte tenga todos estos elementos, pero no siempre es así.

Si tuvieras que sacrificar algunos de estos cuatro elementos para hacer un corte, tendrás que sacrificar comenzando desde el último (Calidad Técnica) e ir subiendo desde allí al tercero (Ritmo) y así sucesivamente. No funciona a la inversa.

Ten mente que mantener la Emoción en una toma y a través de toda la película, es vital y en muchas circunstancias tiene mayor peso que las restantes tres categorías juntas.

De hecho, existe un dato curioso. Vamos a decir que lograste tener una toma con la emoción correcta y que la historia avanza de forma única e interesante y que tienes el ritmo correcto, notarás que la audiencia estará desapercibida por cualquier error técnico, de continuidad y hasta de edición.

El principio es este, si logras satisfacer las primeras 3 categorías (Emoción, Historia y Ritmo) puedes lograr oscurecer y omitir muchos de los otros elementos (errores técnicos) que ocurren en la toma o en la secuencia.

 

¿Tienes alguna otra consideración, a parte de estas, a la hora de escoger una toma o hacer un corte?

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Todos los que trabajamos en el Cine sabemos que el Editor es quien finalmente re-escribe el Guión. No importa que tipo de película o video estés cortando, narrar la historia es tu propósito principal.

Un buen montaje puede salvar (o aliviar) una mala actuación, puede añadir emoción en una escena o a un personaje y puede mejorar el ritmo de una historia, entre otras cosas.

Al mismo tiempo, un montaje pésimo puede lograr exactamente lo opuesto, convertir una buena historia, en un total fracaso de película. No queremos esto.

 

“La edición NO es un proceso técnico. Es un proceso artístico. Se trata de narrar una historia”, – dice Jack Tucker, A.C.E., Shogun y Winds of War.

¿Entonces que consideraciones debo de tomar antes de comenzar?

Digamos que tienes un montón de imágenes frente a tu monitor, listas para ser manipuladas e insertadas en tu película. ¿Pero entonces, donde comienzo?

Antes de iniciar un corte, necesitamos estar conscientes del propósito del proyecto y quien va a ser mi público.

Acaso, ¿es una película para reclutar cadetes del Navy o es un comercial de cereal dirigido a niños? ¿Es un documental sobre el abandono de perros realengos o es una historia sobre la vida de Jim The Wonder Dog?

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1). Observa el Pie taje y Escribe Notas

Tienes que conocer el material para tener una idea de lo que vas a estar montando y cuales son los archivos media que tenemos para narrar la historia.

No tenemos otra alternativa, tenemos que ver el material y escribir notas sobre lo que estamos conociendo.

 

2). Lee el Guión o Sinopsis

Es sumamente importante conocer de que trata la escena que quieres montar. Es una buena costumbre familiarizarse con las escenas que van antes y con las escenas que van después, de esta manera tienes un panorama más amplio de la secuencia de la historia.

3). Identifica, ¿A Dónde Me Lleva Esta Escena?

¿Existe información que se le muestre a la audiencia que de alguna manera mueve la historia hacia delante?. Si la contestación a esta pregunta es un simple “No” o “realmente esta escena no me lleva a ningún lado”, entonces la escena pudiera ser un candidato a ser eliminada.

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4). Averigua, ¿De Quien Es Esta Escena?

¿Es del personaje Principal? ¿Secundario? ¿Es de un Extra? Usualmente la escena pertenece al personaje principal o al personaje con más líneas; pero podría ser del personaje que escucha y reacciona.

 

5). Conoce, ¿El Por qué de la Escena?

Hay algo interesante que ocurre en la escena o que hace el personaje?. Posiblemente este personaje hace algo muy importante, que vale la pena que la audiencia conozca.

A pesar de que estas NO son las únicas consideraciones que debemos de tomar al momento de editar una escena, sí debemos de tomarlas como punto de partida.

Siempre teniendo en mente, que hacemos el corte con el fin de mover la historia hacia delante.

En un próximo blog estaré compartiendo algunas otras herramientas y consideraciones sobre el montaje de escenas cinematográficas.

El proceso de filmar un Video Musical o un evento con Multiples Cámaras puede ser un gran reto, especialmente si se utiliza más de una cámara para la filmación.

Con este artículo pretendo contestar lo siguiente:

  • ¿Qué tal si vamos a filmar nuestro proyecto con tres, cuatro o cinco cámaras?
  • ¿Cómo entonces hago la edición de todo este material?
  • ¿Cual es la manera más fácil y rápida de sincronizar todas las cámaras que utilicé en la filmación en mi sistema de edición?
  • ¿Cómo sincronizo la canción que me proveyó el estudio de sonido para colocarla en mi video musical?

 

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Factores Importantes a Considerar

Dentro de los muchos factores que tenemos que considerar al momento de filmar nuestro video musical, tenemos que asegurarnos que las cámaras que estemos utilizando para la filmación, sean capaces de capturar tanto imagen como sonido.

 

¿Porque el sonido? Es importante que capturemos el sonido en la cámara, porque Adobe Premiere Pro utiliza el largo de onda del sonido como mecanismo para sincronizar todos los clips.

En otras palabras, Adobe Premiere Pro analiza el largo de onda del sonido de cada clip y los relaciona entre sí.

Creando así una secuencia con todos los clips sincronizados.

 

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Video Tutorial

Como ya sabrás, el método que les explicaré a continuación es muy conveniente para la filmación de Videos Musicales y/o Grabaciones de Eventos con Multiples Cámaras, ya sean bodas, quinceañeros, conciertos, etc…

Sin más preámbulos te comparto el Video Tutorial:

Sincronizando Multiples Cámaras | Edición Video Músical | Tutorial Premiere Pro. 

 

 

Espero que este artículo sea de ayuda para ti.

Déjame saber que te pareció el video tutorial o si tienes dudas sobre el proceso.

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Todos los que trabajamos haciendo películas, sabemos la importancia de capturar el mejor audio posible en el set. Una buena película puede convertirse en un verdadero desastre, si el audio no se trata con el mayor de los cuidados.

Vamos a decir que estamos filmando en los exteriores de un vecindario y de momento, el vecino que nunca corta la grama del patio, decide ese día cortarla. Filmar una escena con diálogo, bajo estas condiciones sería fatal.

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El Vecino que nunca corta la grama del patio, ese día decide cortarla.

Lo mismo sucedería en una oficina que utilice un sistema de aire acondicionado – sabemos que al momento de filmar, debemos de apagar los aires acondicionados. Si por ejemplo estamos dentro de una residencia, debemos de estar conscientes de apagar (a menos que sea parte del guión) abanicos, televisores, relojes de pared y el refrigerador para obtener el audio más limpio posible.

Pero, ¿que pasa si no tenemos el control de nuestro alrededor y por obligación tenemos que filmar la escena con los aires acondicionados encendidos, y escuchamos el zumbido que hacen estos?

Existen dos opciones a este problema. El primero es hacer lo que se conoce en el cine como un ADR (Automated Dialogue Replacement) o un Doblaje, pero esta opción es mucho más costosa y requiere de un experto para que el resultado sea el deseado.

La segunda opción nos las da la frase que yo más odio en el mundo del cine:

“No te preocupes… yo lo arreglo en post. Tengo un plugin que lo arregla”.

Cada vez que escucho esta frase me dan diarreas. A pesar de esto, la realidad es que no siempre podemos controlar nuestro alrededor y es posible que capturemos el audio con algún ruido o frecuencia no deseada.

 

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¿Y Entonces… Qué?

La “solución aparente” a esto no las ofrece un plugin de Adobe Audition llamado Noise Reduction Process. Escribo “solución aparente”, porque lo ideal sería capturar de primera mano el audio más limpio posible y no tener que rompernos la cabeza luego arreglando archivos en la Post-Producción.

Básicamente como funciona es de la siguiente manera.  Usted hace su edición en Adobe Premiere Pro CC y una vez halla terminado el montaje (edición) de sus video clips, puede entonces enviar su secuencia editada al Adobe Audition CC para completar los arreglos en el audio.

Lo brutal de estos dos programas, es que se comunican entre ellos muy bien y utilizan una tecnología llamada Adobe Dynamic Link, el cual permite una agilidad mucho mayor en el proceso de Post-Producción, ahorrando más tiempo.

Este plugin funciona para ciertas condiciones de frecuencias como: zumbido de unidades de aires acondicionado, ruido de refrigerador y el sonido (o frecuencia) que pudiera emitir algunas lámparas de los centros deportivos o canchas.

 

Video Tutorial [Adobe Premiere y Audition]

En este video te comparto cómo utilizar los sistemas de Adobe Premiere Pro y Adobe Audition para remover el ruido de ambiente que a veces capturamos en el audio.

Te pregunto, ¿qué estrategias utilizas para capturar el mejor audio para tus películas?

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La Post-Producción es una de las cinco etapas (pasos) fundamentales para el desarrollo de una obra cinematográfica y sin duda alguna, una de las más importantes.

Por definición la Post-Producción se define como la manipulación del material audiovisual digital o análogo usado para cine, publicidad, televisión, radio y/o web.

¿QUE HACEN LOS EDITORES DE CINE & TELEVISION?

Los editores de Cine y Televisión seleccionan la toma más efectiva de cada escena y la combinan en secuencia para formar una historia lógica y fluida.

 

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RESPONSABILIDADES DEL EDITOR

Entre las múltiples responsabilidades que tienen los editores se encuentran:

  • Evaluar y seleccionar escenas en términos de su valor dramático para tener continuidad en la historia.
  • Cortar segmentos de la película a un largo especifico.
  • Ensamblar segmentos en orden para que la historia tenga un efecto máximo.
  • Usar equipo de edición para insertar música, dialogo y efectos de sonido.
  • Revisa la versión editada de la película en un monitor para hacer correcciones.
  • Colabora con Editores de Efectos de Sonidos  y Editores de Música.
  • Etc… etc… etc…

 

 SISTEMAS ANALOGOS DE EDICIÓN

A pesar de que los sistemas análogos de edición escasean en los confines de nuestro planeta tierra, es importante poder reconocerlos. Para realizar la edición (montaje) en estos sistemas necesitarias la utilización de rollos de cinta de película.

Los dos tipos de maquinas análogas que editan en rollo de película son:

  • Moviola
  • La «Flatbed» o KEM o Steenbeck

 

Moviola antigua exhibida en el Museo Histórico de Mar del Plata
Foto por: Ezarate (Own Work)
Fuente: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:MoviolaAntigua-MDP.JPG

 

¿CÓMO ES EL PROCESO DE MONTAJE EN UN SISTEMA ANALOGO?

El negativo de la película (rollo) va a un laboratorio y este procesa el negativo original de la cámara y produce un positivo (o copia). El positivo se introduce en un magazín para ser sincronizado y con estos se crean carretes (reels) usando un sincronizador.

 

¿CÓMO ENTONCES SE HACE UN CORTE EN UN SISTEMA MOVIOLA?  

1) Marcas el fotograma (frame) donde quieres hacer el corte, utilizando un marcador (China Marker)

2) Lo cortas con una guillotina (splicer).

3) Lo unes con cinta adhesiva (splicing tape) al fotograma anterior a este.

 

 

LOS SISTEMAS DE EDICION DIGITAL

Actualmente existen muchos programas que se especializan en el montaje y edición de vídeos, pero NO todos son recomendables para el desarrollo de proyectos a nivel profesional.

Algunos de los sistemas de edición digital más utilizados por profesionales en la industria de los audio visuales son:

 

  • Final Cut Pro – manufacturado por Apple Computer Inc, entro al mercado en el año 1999. Fue conocido principalmente por sus capacidades para Video Digital (DV)  y para el Web a un precio bien módico. http://www.apple.com/finalcutpro

 

 

 

 

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VENTAJAS DE EDITAR EN UN SISTEMA DIGITAL

Hoy en día, muchas películas y videos se editan en sistemas digitales de edición. Los avances tecnológicos, particularmente en el área de efectos visuales, resolución, y compatibilidades entre softwares y hardwares esta constantemente en desarrollo y mejorando. Gracias a esto, el editor puede hacer mucho más cosas y en menos tiempo.

 

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Imagen de la interface de Final Cut Pro 7
Algunas De Las Ventajas Son:

1) Puedes localizar cuadros (frames) rápidamente y con precisión en un sistema de edición digital.

Velocidad + Flexibilidad = Ahorrar Tiempo

2) Puedes tener muchas versiones o cortes de una escena o de un show con un sistema no-lineal.

Si quisieras experimentar con tu edición, entonces simplemente puedes hacer una copia a la secuencia. De esta manera si tu experimento falla, siempre podrás volver al corte (secuencia) inicial.

3) Mejor manipulación del Sonido. Muchos de los programas de edición contienen múltiples canales de audio que nos ayudan a añadir elementos de audio a nuestros proyectos.

En un sistema Lineal, como lo seria La Moviola, solo podrías manejar tres canales de audio solamente.

4) Integración de Efectos y Títulos a la edición.

La mayoría de los efectos en el sistema lineal son a tiempo real (Real Time) y la integración de títulos de textos en la edición de videos cada día se hace más fácil.

 

DEFINICIONES & TÉRMINOS IMPORTANTES EN EL CUARTO DE EDICIÓN

Material Inédito –  pie taje que llega diariamente al cuarto de edición de parte del equipo de Producción. En los Estados Unidos se le conoce como Dailies. En otros países, como en Australia se le conoce como Rushes.

Toma – cada una de las repeticiones grabadas de una escena. En ingles le dicen Shot.

Corte – una serie de montajes.

Sistema de Edición Digital – una computadora usada para editar ingesta de audio y video proveniente de cintas o archivos.

Media – el material; ya sea audio, video o ambos.

Importar – ingresar o traer archivos media al sistema de edición digital.