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Ricardo Cayuela

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¿Necesitas conseguir una localidad para tu película? Sigue estos 5 pasos

Conseguir una localidad para tu película puede ser un proceso bastante estresante.

Tenemos que darle vida a un mundo que solamente existe en las letras plasmadas de un guión y el ambiente en que se desarrolla esta historia es sumamente importante.

Encontrar la localidad correcta es vital y pudiera lacerar el efecto final que queremos con nuestra película, si no seleccionamos correctamente.

Por eso es que nos causa mucho estrés este proceso. 🙂

La búsqueda de localidades es un proceso que no debe de ser tomado a la ligera – toma mucho tiempo y requiere de mucha paciencia.

Existen muchas consideraciones que debemos de tener en cuenta a la hora de seleccionar una localidad, algunas como:

  • ¿Donde conecto las lámparas? ¿Hay electricidad? ¿Necesito un generador, donde lo ubico?

 

  • ¿Cuenta con estacionamiento? ¿Dónde estacionamos el camión con el equipo?

 

  • Hay algún área cómoda para que el crew, talentos, etc.. donde puedan cambiarse de ropa, descansar – ¿tienen un espacio para maquillarse, comer, etc..?

 

  • ¿Dónde ubicamos el equipo de filmación? ¿Dónde ubicamos el Base Camp?

 

  • ¿Hay que manejar tres horas para llegar a la localidad? ¿Cuan accesible es? ¿La encuentro en Google Maps?

 

  • ¿Cuáles son las condiciones del clima en esa área? – ¿Qué pasa si llueve? ¿Hay mucho viento? ¿Mosquitos? ¿Hay mucha humedad?

 

  • ¿Necesito permiso para filmar? ¿Los vecinos saben que estamos filmando? ¿Las autoridades locales o federales? ¿Necesitas alguna póliza de seguro de responsabilidad? ¿O voy a filmar al estilo guerrilla?

 

  • ¿Cuál es el costo por utilizar las facilidades? ¿te puedo pagar con gallinas?

 

Estas son algunas de las consideraciones que debemos de tener en mente a la hora de buscar nuestras localidades.

Pero entonces viene la pregunta, ¿cómo puedo asegurarme que voy a escoger la localidad correcta para mi historia?

Es por eso que te comparto 5 tips que te ayudarán a tomar una decisión más acertada.

 

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1) Estudia Tu Guión

A pesar de que para muchos creativos el proceso de visitar localidades puede encender la llama de la creatividad para desarrollar historias, lo recomendable es que puedas seleccionar tu localidad oficial de filmación una vez hallas terminado el guión.

No debes correr sin antes gatear. Aunque te lleguen los deseos de hacer la búsqueda de localidades sin tener el guión listo, debes de esperar.

No vas a querer llegar al set y darte cuenta que la escena en el pasillo largo hecho en ladrillos no se puede filmar, porque no existe tal pasillo en la localidad.

 

2) Haz Una Búsqueda Virtual Primero

Una vez escuché la frase: “No trabajes duro. Trabaja inteligente”. Estoy 100% de acuerdo con ella.

No vas a querer gastar la gasolina de tu carro dando vueltas a ciegas buscando esa mágica localidad que le dará vida a tu proyecto. Haz primero una búsqueda en línea.

Comienza haciendo una búsqueda online de posibles escenarios que te pudieran ayudar en el proceso. Tomar esta iniciativa te ayudará a tener una mejor idea, antes de salir en persona a visitar localidades.

Pudieras tomar la ruta que muchos creativos hacen de ir a google, hacer una búsqueda de posibles escenarios cercanos a tu área, imprimir las imágenes, anotar la información de la localidad y la dirección de cómo llegar. Es una alternativa, pero te voy a compartir otra mejor.

A continuación algunos recursos que he encontrado en la web que son más amigables cuando se trata de buscar esa localidad ideal para tu historia.

 

Locations Hub – http://www.locationshub.com/#find

Locations Hub es un website designado a la renta de localidades y propiedad para los profesionales de la Industria del Cine. Muestra imágenes, dirección e información importante sobre estas localidades. El único inconveniente con este recurso, es que está limitado a cierta área geográfica – teniendo localidades solamente en países como: Australia, Canadá, Chile, Republica Dominicana, Italia, Malasia, Nicaragua, España, Inglaterra y Estados Unidos.

 

Shot Hot Spot – http://www.shothotspot.com/

Shot Hot Spot es un excelente recurso de localidades para filmaciones y fotografías. A diferencia del Locations Hub, este cuenta con una mayor cobertura de localidades para Latinoamérica y el Caribe. Lo interesante de este recurso, es que puedes hacer una búsqueda por ciudad o país, y te muestra un mapa con diferentes categorías que te ayudan a agilizar el proceso.

Puedes perfeccionar la búsqueda seleccionando categorías como: Paisajes, Naturaleza, Costa-Playa, Gente, Arquitectura, Urbano/Ciudad, Panorámico, Abandonado, Amanecer-Atardecer y Astrofotografía.

 

Flickr

Todo el mundo distingue a Flickr como un website para compartir imágenes, pero pocos conocen que también tiene la capacidad de ser utilizado para encontrar localidades, mediante la herramienta de Flickr Map Search.  

Flickr cuenta con una base de usuarios bien extensa y les permite geotaguear sus fotografías, haciendo visible a otros usuarios la información de estas fotos.

 

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Ten en mente que si vas a utilizar localidades pertenecientes al Gobierno o a alguna entidad privada, es muy probable que te pidan una Póliza de Seguro. Para más información sobre este particular, contacte a la Comisión de Cine Local.

 

3) Contacta la Comisión de Cine Local

La Comisión de Cine Local es otro recurso súper importante a la hora de buscar localidades. En ocasiones, estas organizaciones tienen websites creados para estos propósitos.

Algunas de estas organizaciones están dispuestas a colaborar mano a mano con los Productores de Cine y facilitarles los permisos de uso de estas facilidades para sus filmaciones.

La AFCI (Association of Film Commissioners International) ofrece recursos internacionales para los Productores de Cine y tienen un directorio con la información de muchas comisiones de cine alrededor del Mundo. Oprime Aquí para Accesar el Directorio.  

 

4) Sal a Pasear y Toma Fotos

Cuando estés en la búsqueda de localidades, saca tu teléfono y comienza a tomar fotografías de los lugares más probables para tu filmación.

Compártelas con los productores, luminotécnicos, diseñadores de producción, sonidistas y al resto del equipo de filmación que entiendas pertinente.

Existen aplicaciones para el teléfono que te ayudan a la búsqueda de localidades como los es: Panavision Panscout y Map-A-Pic.

Ambas aplicaciones te ayudan a tomar fotografías con un crop cinematográfico, identificar la posición geográfica de la foto tomada, anotar observaciones y compartir la información mediante correo electrónico, instagram o twitter.

Ten en mente como se comporta la luz del sol en el lugar que estas visitando. Tu localidad podría verse bien a las 10:30am, pero a las 5:00pm provocarte sombras no deseadas en las paredes que pensabas filmar.

Es por esto que recomiendan que visites la localidad en la hora que piensas filmar, para que tengas un panorama real en términos del comportamiento de la luz del sol.

 

Algunas aplicaciones para teléfonos móviles que te pudieran ayudar a identificar el comportamiento del sol en tu localidad son: Magic Hour, Sun Surveyor y Sunseeker.

 

Artículo Relacionado: 5 Cosas Que Puedes Hacer Hoy Para Reducir Los Costos De Tu Película

 

5) Toma en Consideración el Audio

En algunas ocasiones, se ignoran los elementos relacionados al sonido de una localidad y si no prestamos atención a nuestro alrededor, podríamos provocarles un dolor de cabeza al Departamento de Audio el día de filmación.

 

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El sonido ambiental de una localidad es muy importante a la hora de considerarlo como alternativa para filmar nuestra película o proyecto.

 

Pon atento tu oído y escucha tu alrededor. ¿Qué sonidos se escuchan? – ¿Sonidos de vehículos? ¿Maquinas de una construcción cerca? ¿Perros ladrando? ¿Grillos? ¿Música de vecinos?

Espero que esta información te ayude a seleccionar efectivamente la localidad de tu película o proyecto.

 

¿Conoces de algún otro tip a la hora de buscar localidades? Compártelas en la sección de comentarios.

Mucho Éxito

-Ricky Cayuela

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Video Tutorial

¿Sabias que puedes aumentar el rango dinámico a tu Canon EOS DSLR?.

Ya hace un tiempo atrás, la empresa Technicolor desarrolló un Estilo de Imagen (Picture Style) para las cámaras Canon EOS Digital llamado CineStyle Profile, el cual les permite capturar imágenes con mayor detalle en las areas brillantes y de sombras del objeto fotografiado.

De momento pudieras pensar, ¿qué tiene de atractivo capturar una imagen con poco contraste (flat) y con los colores desaturados?

La verdad es que el capturar con tu cámara una imagen flat y con colores desaturados, es el punto de comienzo ideal para la corrección de color de un proyecto de cine o de video.

Usualmente, los ajustes de contraste, brillantes y color se realizan todos en la etapa de Post-Producción.

CineStyle Profile promete aumentar el rango dinámico del contenido que se quiere fotografiar, permitiendo una mayor libertad creativa y artistica durante el proceso de corrección de color.

 

 

Originalmente el CineStyle Profile fue diseñado principalmente para la Canon EOS 5D Mark II, pero los diseñadores aseguran que puede ser instalado en cualquier cámara Canon EOS DSLR.

Para Descargar El CineStyle Haga Un click aqui.

 

Artículo Relacionado: La Regla de los Tercios para el Productor de Cine

 

¿Cómo Instalar el CineStyle Profile A Mi Cámara Canon EOS?

Primero que nada el CineStyle Profile es GRATIS, así que puede ser descargado libremente.

Siga las siguientes instrucciones:

  1. Asegurese que tiene instalado en su computadora el EOS Utility v2.6 o más reciente.
  2. Descargue el Tecnicolor CineStyle Profile haciendo un click aqui
  3. Conecte su cámara a su computadora utilizando un cable USB.
  4. Note que en el menu:  Su cámara DSRL debe de estar programada a “Communication” to “PC connect”
  5. Abra el software Canon EOS Utility en su computadora
  6. En la ventana principal, seleccione “Camera settings/Remote shooting”.
  7. Una vez la ventana de captura halla abierto, haga un click en el icono de cámara
  8. En el “Shooting Menu”, oprima “Register User Defined style”
  9. Una vez halla abierto la nueva página de “Register Picture Style File”, seleccione uno de los User Def. 1, 2 o 3 (estos se encuentran en la parte superior de la nueva página)
  10. Oprima el icono para abrir un archivo
  11. Seleccione el archivo llamado CineStyle.pf2 (el que descargó)
  12. Oprima OK.

 

¡FELICIDADES! Logró instalar efectivamente el CineStyle en su Canon EOS DSLR.

 

Canon EOS 5D Mark ii.
Fotografía cortesía de Canon USA.

 

Configuración Recomendada Para Su Cámara Utilizando El CineStyle Profile

Technicolor recomienda ciertos parámetros de configuración para la cámara cuando se este utilizando el CineStyle Profile.

  • Sharpness : 0
  • Contrast: -4
  • Saturation: -2
  • Color Tone: 0
  • ISO:  múltiplo del nativo de la cámara (por ejemplo 100 o 160 dependiendo de la cámara)

 

¿Cuales Son Los Requerimientos Para El CineStyle Profile? 

Existen ciertos requerimientos para instalar el CineStyle Profile.

Los mismos son:

  • Cámara EOS Canon DSLR
  • El Software Canon EOS Utility
  • Cable USB
  • PC – Windows 7/Vista/XP; or Mac – Mac OS X 10.5/10.6+

 

Video Tutorial

En este video, te explico paso a paso cómo instalar el Cinestyle en tu Canon DSLR.

Para descargar CineStyle para tu Canon EOS DSRL  OPRIMA AQUI

Referencia:  http://www.technicolor.com/en/solutions-services/cinestyle 

Este artículo fue publicado originalmente el 30 de diciembre de 2013.

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VIDEO TUTORIAL

Por más que estemos pendientes a lo que estamos haciendo, siempre se cuela uno que otro error de Producción.

El Departamento de Cámara no esta exento de errores.

En ocasiones el Operador de Cámara, ya sea por cansancio o por descuido, puede cometer movimientos involuntarios que se transmiten a la cámara y finalmente se revelan en nuestra toma.

Pequeñas vibraciones pueden ser percibidas en la composición, esto debido en muchas ocasiones, a las tomas de Cámara en Mano.

 

Artículo Relacionado: 5 Pasos Básicos Que Debes Conocer Antes de Cortar Una Escena

 

¿Qué Hacemos Entonces Si Quiero Eliminar Esas Vibraciones De Mi Toma?

Todos los sistemas de edición poseen algún tipo de estabilizador para trabajar este problema.

La herramienta que utilizamos en Adobe Premiere Pro se llama Warp Stabilizer.

 

Aspectos Importantes Que Debes De Tener En Mente
  • Este método aunque en muchos casos hace un buen trabajo, NO ES PERFECTO.

 

  • La herramienta de Warp Stabilizer analiza los puntos de enfoque de la toma. En otras palabras, si gran parte de la toma que quieres estabilizar esta fuera de foco, el sistema tendrá problemas analizando y quizás no obtengas los resultados deseados.

 

¿Cómo Estabilizar un Video Clip en Adobe Premiere Pro CC?

En el próximo Video conocerás cómo utilizar efectivamente la herramienta de Warp Stabilizer para estabilizar tus clips de video.

Video Tutorial

Los movimientos de cámara son sumamente importantes en la realización de una película y ciertamente tienen un rol vital en el Lenguaje Cinematográfico.

 

Existen un sin número de formas para mover y darle vida a la cámara.

 

Las primeras películas del Cine, los movimientos y desplazamientos de cámara casi no existían.

Los movimientos los hacían los actores mientras que la cámara se mantenía quieta. A esto se le conoce como un Plano Fijo.

Ciertamente existían razones para esto, las cámaras eran muy pesadas y los equipo de cierto modo difíciles de transportar.

Al pasar del tiempo los equipos de cine se hacían más cómodos para manejar y moverlos, y rápidamente comenzaron a utilizar movimientos de cámara como un elemento importante de la narración.

 

Gravity, Sandra Bullock Photo by Courtesy of Warner Bros. Picture - © 2012 Warner Bros. Entertainment Inc.
Gravity, Sandra Bullock (Dr. Ryan Stone)
Foto Cortesía de Warner Bros. Picture – © 2012 Warner Bros. Entertainment Inc.

 

De momento muchos cineastas comenzaron a utilizar la técnica de darle movimiento a la cámara y como resultado se escribe lo que conocemos hoy día como: El Lenguaje Cinematográfico o el lenguaje de la cámara.

 

Cámara en Mano

Existen muchos tipos de movimientos de cámara, pero en este post me enfocaré en resaltar solo en el movimiento de Cámara en Mano.

El movimiento de cámara en mano es bien utilizado por la Industria de la televisión y como elemento persuasivo en la narración de películas.

 

Foto Cortesía de: John Brawley
Fuente: https://www.flickr.com/photos/johnbrawley/25144480709

 

Por ejemplo puedes utilizar el movimiento de cámara en mano para crear la sensación de: tensión, euforia, confrontación (ya sea una pelea a puños o de discusión), persecuciones, en fin existen muchas posibilidades con esta técnica.

Puede lograr el efecto de cámara en mano asignandole al Operador una cámara y darle instrucciones de que sutilmente le de un movimiento a la cámara.

El problema de realizarlo de esta forma, es que dependes grandemente del talento del Operador de Cámara.

Si es un buen Operador de Cámara vas a tener una belleza de toma.

Pero si el Operador es un flojo, vas a llorar lágrimas de sangre.

 

Artículo Relacionado: El Formato Anamórfico 2:35:1 (Tutorial Premiere Pro + After Effects)

 

¿Cómo Lograr Este Efecto De Forma Digital?

Otra forma de realizar este efecto de Cámara en Mano es hacerlo de forma digital.

La ventaja con esta estrategia es que puedes manipular el movimiento a tu gusto.

Lo mejor de esto es que si te equivocas o no te gusta, siempre puedes oprimir el botón de UNDO.

En este artículo te explicaré cómo lograr este efecto de cámara en mano utilizando Adobe After Effects.

Aprenderás también a:

  • Escribir una expresión de Adobe After Effects
  • Conocerás la expresión de Wiggle y como implementarla correctamente.

 

Cómo Crear El Efecto de Cámara en Mano con Adobe After Effects

Video Tutorial

 

Estoy seguro que viste alguna vez al Chapulín Colorado tomarse una de sus famosas pastillas de Chiquitolina y reducirse de tamaño.

Quizás sabes esto, pero el programa de televisión El Chapulín Colorado fue pionero en utilizar la técnica de Compositing y chroma key.

Foto: El Telégrafo http://www.eltelegrafo.com.ec/noticias/espectaculos/22/conozca-la-biografia-de-el-chapulin-colorado
Foto: El Telégrafo
http://www.eltelegrafo.com.ec/noticias/espectaculos/22/conozca-la-biografia-de-el-chapulin-colorado

 

Al sol de hoy todavía veo los episodios del Chapulín Colorado y quedo asombrado de los resultados que lograron utilizando esta técnica.

 

¿Qué es el Chroma Key?

Chroma key compositing o chroma keying, es una técnica utilizada en  postproducción que consiste en combinar dos o más imágenes entre sí.  

Las Composiciones pueden ser tan simples como utilizar dos capas (layers)  o tan complicado como utilizar cientos de capas.

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Esta técnica ha sido utilizada en muchas ocasiones en la Industria del Cine con el fin de remover el fondo y separarlo del objeto que se está filmando.

La técnica de Chroma Key también se conoce en la Industria como: color keying, green screen y blue screen.  

Teóricamente el chroma key se puede hacer con un fondo de cualquier color que sea bien distintivo y uniforme, pero son los colores verde y azul los más utilizados.

Los colores verde y azul son los más utilizados, porque estos colores se distancian al color (tono) de la piel humana.

Ninguna parte del sujeto que estemos fotografiando debe de emular el color que se está utilizando en el fondo.

Si estás utilizando un blue screen por ejemplo, y el sujeto tiene puesto unos jeans de color azul, verás que estos se convertirán en invisibles.

 

 

Foto: hugovk
Foto: hugovk

 

Artículo Relacionado: ¿Cómo estabilizar un Video en After Effects?

 

¿Cuál es el Proceso?  

Filmamos al actor sobre un fondo de un solo color. Preferimos el verde o el azul, porque estos son colores que se alejan del color natural de la piel de nosotros los humanos.  

Entonces utilizando una aplicación de postproducción como lo es Adobe After Effects podemos preseleccionar el color del fondo, con el fin de convertir a este en transparente.

 

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Una vez tengamos el fondo transparente, podemos entonces colocar cualquier imagen de fondo en nuestra composición.

Este proceso se le conoce como: keying, keying out o simplemente key.

El plugin que utilizamos en la aplicación de Adobe After Effects se llama: Keylight (1.2).

 

 

¿Qué es el Screen Matte?

Todos estos conceptos están relacionados:

  • mattes
  • máscaras (masks)
  • keys
  • canales alpha están relacionados.
Básicamente se refiere a cuánta transparencia tiene una imágen.

En la práctica si tienes una fotografía, ya sea estática o en movimiento, y quieres revelar parte de la imagen, pero esconder otra, vas a necesitar un matte.

En su forma más básica, un matte es una imagen que le dice a otra cuando revelarse (opaca) y cuando hacerse transparente.

El modo de Screen Matte en Adobe After Effects nos ayuda a previsualizar nuestro chroma key en sombras grises.

 

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Nuestra meta es lograr que el objeto que estamos fotografiando sea un blanco sólido (lo que quiero que permanezca), mientras buscamos que el fondo sea totalmente negro (transparente).

 

ScreenMatte

 

Cualquier sombra de color gris que veamos, tanto en la parte blanca o negra, indica translucidez lo cual queremos evitar.

 

Artículo Relacionado: ¿Cómo crear el efecto de FIlm Burn en After Effects?

 

Video Tutorial: Introducción a Chroma Key + After Effects

En este video tutorial conocerás el término de Chroma Key y cómo aplicar el efecto de Keylight (1.2) utilizando Adobe After Effects.

Aprenderás también a:

  • Crear el efecto de Profundidad de Campo (Depth of Field) utilizando el efecto Fast Blur Box.
  • Crear una Capa de Ajuste o Adjustment Layer con el fin de lograr el efecto de NIEVE.
  • Crear una Capa de Ajuste para ajustar los colores de la imagen de video.

 

 

Espero que este artículo haya sido de ayuda.

Si te interesa conocer más sobre este tema u otros relacionados, déjame saber escribiendo en el area de los comentarios.

 

Fotos Cortesía: El Telégrafo
Fuente: http://www.eltelegrafo.com.ec/noticias/espectaculos/22/conozca-la-biografia-de-el-chapulin-colorado

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Al final del día, hay que pagar las cuentas $$$.

Este artículo tiene el único propósito de presentar una problemática que tenemos muchos Freelancers de la Industria del Entretenimiento, ¿cómo hacemos valer nuestro trabajo y asegurarnos de cobrar el producto que le producimos a nuestros clientes?  

¿Alguna vez has hecho un contenido para un Cliente y este NUNCA TE PAGÓ?.

Al comienzo de mi carrera me pasaba con mucha frecuencia y tuve que cambiar mi estrategia para asegurarme de cobrar ese dinero.

Al final del día, hay que pagar las cuentas $$$.

Creo que es súper importante educar al Cliente y que estos entiendan el esfuerzo que conlleva realizar un trabajo como el que vas a realizar y la calidad que se obtendrá del producto final.

En muchas ocasiones los clientes no saben distinguir entre un trabajo audiovisual profesional y una que lo filma un amateur.

Para ellos un Video = a un Video.

Por estas y muchas razones más, es que te comparto 4 posibles estrategias que pueden ayudarte a defender el Valor de tu trabajo y cobrar ese dinero.

 

1) Haz una Hoja de Precios

Con el pasar del tiempo he reconocido la importancia de hacer una hoja de precios que desglose el costo de los servicios que ofreces. Esto simplifica la vida al Cliente y te la simplifica a ti.

Aunque reconozco que estandarizar precios en esta Industria es algo difícil, porque cada proyecto tiene sus propias particularidades, es importante poder tener una hoja que nos dé una guía de cuanto debemos de generar en un proyecto en particular.

Asegurate de que el Cliente conozca lo que le costará producir ese proyecto antes de realizarlo.

 

2) Presenta el Trabajo en Persona

La realidad es que es muy práctico enviar el producto final por el web, pero con esta práctica aumentamos las probabilidades de que el Cliente nos vire el trabajo y en adición, de que no esté consciente del esfuerzo que requirió producir dicho contenido.

En mi experiencia trabajando con Agencias de Publicidad y Clientes corporativos, es mucho mejor presentar el Producto Final en persona.

Con esta práctica podemos defender al momento el trabajo (si es que el cliente nos hace alguna observación), explicar al cliente el esfuerzo que tomó realizar el contenido y justificar las intenciones creativas que se implementaron en esa pieza audiovisual o fotográfica.

Esta práctica también nos permite interactuar con nuestros Clientes y ser más afines con ellos.

Es bien importante que tus clientes sepan que deseas colaborar mano a mano con ellos y que estas siempre dispuesto a correr la milla extra.

Usualmente cuando sobrepasamos las expectativas del Cliente, estos se alegran y están más dispuestos a pagarnos por el servicio prestado.

 

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3) Averigua Cómo Está el Mercado

No queremos ofrecer un precio ni muy alto, ni muy por debajo de lo que está en la Industria.

Averigua los precios de los servicios que ofrecen las Casas Productoras de tu País.

Llama por teléfono y hazte pasar por un cliente.

Pregunta cómo trabajan y cuales son sus costos de Producción y de Post-Producción.

Te sorprenderás de lo mucho que puedes aprender de la Industria haciendo estas llamadas.

 

4) Haz Un Contrato por Escrito

Es bien importante establecer una especie de contrato antes de hacer negocios. Esto reduce muchos dolores de cabeza y a la vez informa al Cliente qué esperar en el proceso.

Yo requiero siempre el 50% del monto total por adelantado. Esto me ayuda a pagar parte de los gastos de Producción (técnicos, renta de equipo, seguros, localidades, etc..).

El saldo final (el otro 50%) lo solicito al momento de entregar el proyecto.

En Puerto Rico lo llamamos: Dando y dando, pajarito volando. No te entrego el Producto Final, si no me pagas.

Te comparto el siguiente documento (.doc) para que lo utilices con tus clientes.

Ten la libertad de descargarlo y modificarlo a tu gusto.

OPRIME AQUÍ PARA DESCARGAR EL DOCUMENTO (.doc) 

Mi intención con este artículo es fomentar la discusión entre colegas sobre este tema.

Me gustaría conocer tu experiencia trabajando con Clientes ¿qué estrategias has utilizado para darle valor a tu trabajo y cobrar lo que es justo?

 

Crédito Foto: Word Swag 

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Ser Productor Audiovisual No es tarea fácil, necesitamos estar bien motivados y enfocados.

Comenzar el día con el pie derecho y súper inspirados es bien importante, especialmente para nosotros los cineastas que estamos creando todo el tiempo.

Es por esto que te comparto 5 frases que te motivarán a seguir trabajando en lo que tanto nos apasiona.

Espero que te sirvan de motivación.

 

1) El Primer Paso es que tienes que decir que puedes. – Will Smith

Nuestra mente es poderosa. Todo lo que vemos, escuchamos y sentimos afecta nuestra actitud hacia la vida.

Es importante que nos rodeemos de personas positivas, que nos inspiren a convertirnos en mejores personas y en mejores profesionales.

Cree en ti. Tu puedes hacerlo.

 

2) No es Soñar, es Hacer – Marc Cuban

El primer paso para anhelar algo en la vida es creer que puedes hacerlo, pero debes de TOMAR ACCIÓN.

Mucha gente se queda navegando en la idea de querer lograr algo en la vida, pero se quedan en el sofá viendo series en Netflix.

No es que sea malo ver contenido en Netflix, pero si te esfuerzas en trabajar hacia lo que quieres hacer en la vida, nada va a ocurrir.

Comienza ese nuevo proyecto que tienes en mente y hazlo realidad.

 

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3) Siempre me he considerado como de talento promedio y lo que tengo es una obsesión insana y ridícula por la práctica y la preparación. – Will Smith

No hay mucho que añadir a esta frase. La practica hace la perfección.

En el pasado he trabajado proyectos de filmación de forma voluntaria, solo con el pretexto de practicar alguna composición fotográfica o por simplemente probar algún equipo nuevo.

¿Acaso crees que Michael Jordan se hizo el mejor jugador de baloncesto en la historia de la noche a la mañana?

¿Sabes cuantos tiros a la canasta tuvo que hacer antes de llegar a la NBA?

 

4) ¿Porqué todos hablan de lo que pasó ayer? Todo lo que importa es el juego de mañana – Roberto Clemente

Todos hemos tenido fracasos en nuestras vidas, yo he sufrido muchos fracasos, NO ERES EL ÚNICO.

No importa si fueron fracasos personales o fracasos profesionales.

Tampoco importa la magnitud del fracaso o de la perdida, lo importante es que siempre tenemos una oportunidad de comenzar de nuevo.

Aprende de las pérdidas del pasado, enfócate en el presente y planifica para el futuro. Todo saldrá bien.

 

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5) Jamás olvido ésta lección de mi padre: “La disciplina tarde o temprano vence a la inteligencia.” – Yokoi Kenji

Nada más cierto que esto. Si uno practica un deporte todos los días, tarde o temprano aprenderás a jugarlo y quién sabe; quizás te haces un experto.

Lo mismo ocurre con el cine. Si quieres perfeccionar alguna técnica, ya sea fungiendo como Director, actor o lo que sea, debes de hacer la disciplina de practicar.

Verás que aunque creas no saber nada, al tener disciplina verás los resultados.

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VIDEO TUTORIAL | VLOG

¿Qué importancia tiene el Color en una pieza Cinematográfica? El color le proporciona a la audiencia una mayor similitud de la realidad, ya que el mundo como lo conocemos se expresa en colores y el color nos da una mejor libertad para el juego creativo.

El color nos permite persuadir el subconciente de nuestra audiencia:

 

El Significado del Color en una Película

La selección de la paleta de colores en una película, NO es pura coincidencia. Cada detalle está bien pensado, incluyendo el tema del color. ¿Qué color van pintadas las paredes, ventanas y puertas del set? ¿Qué color de ropa van a utilizar los personajes, color de pelo, etc…

También algunas personas aseguran que existen estudios que demuestran, que el color puede afectar el estado emocional de las personas e inclusive podría hasta persuadirlos.

Para poder competir en el arte debemos de conocer el significado del color y cómo estos pueden persuadir emocionalmente a nuestra audiencia.

Esta información también podría ser aplicada a nuestras colorizaciones de imagen.

NEGRO

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El color negro dentro de una composición cinematográfica representa: formalidad, nitidez, riqueza, fortaleza y elegancia.

AZUL

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El Azul nos transmite: frialdad, melancolía, depresión, tranquilidad y serenidad.

ORO

blog_OroEl color Oro nos transmite: amor, aires de realeza, riqueza e imperialismo.

ROJO

blog_rojoEl color Rojo nos transmite: amor pasional, ira y odio.

ROSADO

blog_rosadoEl color Rosado nos transmite: ternura

ANARANJADO

blog_anaranjadoEl Anaranjado nos transmite: festividad, alegría, energía y salud.

AMARILLO

blog_amarilloEl Amarillo nos transmite: tibieza, luz y madurez.

VERDE

blog_verdeEl color Verde nos transmite: frescura, crecimiento y juventud.

BLANCO

blog_blancoY el color Blanco nos transmite: pureza, limpieza y nitidez.

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Video Tutorial – No Dejes de Verlo

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VIDEO TUTORIAL : VLOG

¿Qué es el espacio negativo? Cuando miramos la imagen de una película realmente estamos viendo tres elementos:

  • El Marco: que no es otra cosa que el limite de la imagen.
  • El Espacio Positivo: que es nuestro objeto o sujeto principal en la toma.
  • Y el Espacio Negativo: que es todo lo demás. El Espacio Negativo es ese espacio que queda entre el limite de la imagen y el sujeto principal.

 

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El concepto de Espacio Negativo consiste en mantener un fondo uniforme, sin elementos distractores y situando el centro de interés en alguna parte de la fotografía.

 

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Crédito de fotografía: joiseyshowaa

  • Al presentar espacios vacíos en la composición fotográfica tu audiencia podría experimentar el sentimiento de: soledad, aislamiento o calma.

Así que puedes utilizar esta estrategia a tu favor para persuadir a tu audiencia.

El espacio negativo también es un elemento de la composición cinematográfica y por lo tanto debemos de saber usarlo para obtener imágenes que cautiven a la audiencia y nos sirvan para narrar de forma efectiva nuestra historia.

 

Artículo Relacionado: La Regla de los Tercios para el Cineasta

 

Ejemplos de Espacios Negativos

Blog_IMG_0351Crédito de Fotografía: Pixabay.com 

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Crédito de Fotografía: Pixabay.com 

 

Blog_IMG_0354Crédito de Fotografía: Pixabay.com 

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Crédito de Fotografía: Pixabay.com 

 

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Blog_IMG_0355Crédito de Fotografía: Pixabay.com

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Video Tutorial – No Dejes de Verlo

Una de las razones por las que comparto información acerca de la fotografía y el cine, es porque me gusta ver lo que están realizando otros compañeros colegas. Si asi lo deseas, captura varias fotografías y compártelas en el area de comentario o en nuestra página de facebook.  Gracias por compartir esta información y por visitar el blog 🙂

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VIDEO TUTORIAL : VLOG

En el cine existen reglas en términos de composición fotográfica y es importante entenderlas antes de desviarlas o usarlas de manera contraria. La Regla de los Tercios (The Rule of Thirds) es uno de los primeros conceptos fotográficos que un cineasta aprende en una escuela de cine.  La idea es que se pueda obtener una imagen balanceada e interesante.

Como todo en el mundo creativo, las reglas están hechas para romperse. Pero para poder romper las reglas, es primero importante conocerlas y entenderlas a cabalidad.

 

¿Qué es la Regla de los Tercios?

La idea con la Regla de los Tercios es imaginarte la composición como si estuviera dividida en 3 columnas y 3 filas proporcionales.

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Cuando vayas a filmar la toma, imagínate estas lineas en la pantalla o también puedes activar la opción de GRID (Cuadrícula) en tu cámara (si es que la tiene). Muchas DSLR poseen esta opción.

Con el GRID o cuadrícula en mente, ahora puedes colocar los puntos de interés de la escena en cualquiera de las cuatro intersecciones de las líneas interiores.

 

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Ten en cuenta los puntos donde se intersecan las líneas. La Regla dice que debes colocar el objeto que estas fotografiando en cualquiera de estos puntos de intersección.

Si te fijas bien, muchas de las tomas donde aparecen objetos o personajes en las películas, utilizan muy a menudo esta regla.

 

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Ejemplos de La Regla de los Tercios

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La Regla de los Tercios aplicada a un Personaje (Foto de Arriba). 

 

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La Regla de los Tercios aplicada a un Producto. (Foto de Arriba). 

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La Regla de los Tercios aplicada a los Paisajes (Foto de Arriba). 

 

Para hacer que nuestras imágenes se vean de película, debemos de colocar el horizonte en el tercio de arriba o en el tercio de abajo. No coloques el horizonte en el centro.

Además recuerda fotografiar el horizonte de forma horizontal.

La Regla de los Tercios es aplicada de forma natural por muchos cineastas y fotógrafos, pero si estás comenzando a conocer la técnica te recomiendo que te hagas estás dos preguntas:

  • ¿Cual es el personaje u objeto de interés en la toma?
  • ¿Estoy colocando el objeto de forma intencional?

 

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Video Tutorial – No Dejes de Verlo

 

¿Haz utilizado esta regla en tus composiciones? Practica esta técnica fotografiando a tus amistades, busca productos que tengas en la alacena y tírale fotos. La idea es que puedas practicar lo más que puedas para que domines la técnica.

Déjanos saber en los comentarios cómo ha sido tu progreso y comparte tus fotografías. Me gustaría ver que estás trabajando 🙂

 

Algunas de las imágenes que aparecen en este post son cortesía de la aplicación: WORD SWAG